Современная фотография в Метрополитене
Культура
Осуществилась давняя мечта многочисленных почитателей фотографии: в Метрополитен-музее открылась галерея имени Джайс и Роберта Меншел, где отныне будут регулярно выставляться работы современных фотографов.
Первая выставка в новой галерее - «Глубина видения: Современная фотография из коллекции Метрополитен» - представляет несколько художественных направлений в искусстве светописи последних десятилетий.
Концептуализм нашёл отражение в работах американцев Денниса Оппенхейма, Феликса Гонзалес-Торроса, Гордона Матта-Кларкса, Дугласа Хьюблера, голландки Ринеке Джикстры.
С «Дюссельдорфской школой» мы знакомимся по фотографиям её основателей Бернда и Хиллы Бехер и их учеников, ставших ныне всемирно известными: Томаса Струта, Томаса Руффа, Андриса Гурски.
О творческой концепции “Поколения визуальной образности” дают представление работы таких замечательных фотохудожников, как Синди Шерман и Ричард Принс.
И как-то над всеми искусствоведческими критериями находятся фотографии Адама Фусса, Родни Грэхема и Чарлза Рэя.
На выставке мы видим фотографии 19 мастеров – тех, кто сегодня определяет пути развития современной светописи. Каждый фотограф представлен одной работой, отражающей какой-то значительный этап как его творчества, так и фотографии в целом.
В начале 1980-х годов Синди Шерман (1954) сразу же заявила о себе как об одном из наиболее значительных художников своего времени. Поначалу в своих поисках она изображала саму себя, выступая в том или ином образе. Потом перешла к постановкам откровенно сюрреалистическим с последующим их фотографированием. Шерман воспринимает себя больше художником, использующий фотографию, чем фотографом. На выставке показан один из её автопортретов, сделанный в 1981 году. Шерман сфотографировала себя лежащей. Освещение подчёркивает драматичность, напряжённость состояния. Её взгляд обращён в никуда. Это может быть страхом, тоской, безысходностью. Позой, выражением лица, освещением Синди Шерман попыталась передать на фотографии одно из психологических состояний человека.
Если Шерман лишь наметила общие черты концептуального портрета, то Ринеке Джикстра (1959) придала ему несколько другую направленность. Её большеформатное цветные портреты детей и юношей (в одиночку и небольшими группами) отличаются удивительным формальным классицизмом, психологической глубиной и концептуальной строгостью. Во многих отношениях беспристрастный взгляд Джикстры, её социальная осведомлённость и почти клиническое внимание к деталям могут быть восприняты как документалистика.
Один из первых проектов Джикстры, начатый в конце 1980-х - начале 90-х годов, был посвящён портретированию подростков в полный рост на различных побережьях Польши, Хорватии, Украины, Бельгии, Англии и Северной Америки. Показывая состояние взросления, Джикстра фотографирует их на светлом фоне из песка, моря и неба, наполняя изображения первородным, почти мифическим качеством, возвышающимся над национальной идентичностью. Перед нами на берегу Балтийского моря (Колобжег, Польша) стоит девочка с выражением смущения, неуверенности и нарочитого безразличия. Она могла бы позировать не только перед камерой Джикстры, но и Боттичелли для «Рождения Венеры». Девушка Джикстры возникла словно из морской бездны и стала частью божественной природы, ещё робкой уязвимой её частью.
Заметное место на выставке отведено «Дюссельдорфской школе», возглавляемой Бернардом и Хиллой Бехер и их последователями. Примерно одновременно американец Двэн Мичалс и супруги Бехер начали создавать многокадровые фотографические композиции, включающие от 6 до 15 отпечатков, а иногда и больше. Они выполнены одном масштабе и показаны в одной сцепке. Возможно, идея такой кинематографической последовательности изображений идёт от фотографов, появившихся во множестве в 1926 году на улицах Нью-Йорка. Здесь за квотер можно было мгновенно сделать вертикальную полоску из четырёх фотографий паспортного размера. По крайней мере, именно эти, следующие один за другим кадры, привели Энди Уорхолла к созданию своих фотографических и живописных многокадровых композиций в конце 60-х годов.
На выставке Бернард (1931-2007) и Хилла (1934) Бехер представлены своей композицией из 16 изображений – «Водонапорные башни». Более трёх десятилетий, развивая свой типологический подход к среде, в которой отдельный архитипический объект описывается путем сопоставления подобных экземпляров, они фотографировали промышленную архитектуру Европы и Северной Америки - от водонапорных башен и доменных печей до домов рабочих.
Когда художники и профессора Бернард и Хилла Бехер преподавали в Академии искусств в Дюссельдорфе, они оказали влияние на целое поколение как немецких, так и многих американских фотографов. К их числу относится и Томас Струт (1954), чья большая персональная выставка проводилась в 2003 году в Метрополитен-музее. Ныне он представлен большой фотографией величественного интерьера собора Святого Захария в Венеции. В центре фотографии – светящийся алтарь работы Джованни Беллини, господствующий над окружающим его живописным пространством. Мадонна с младенцем в алтаре, люди, задумчиво стоящие перед ним, – всё пребывает на фотографии в одном чувственном, спокойном мире.
На что бы ни обращал свой взор Струт (а это может быть пустынная улица или храм, портрет человека или пышная растительность джунглей) мы ощущаем их величие, монументальность, их молчаливую историю.
Эти черты творчества близки ещё одному дюссельдорфцу – Андрису Гурски, не менее известному в Европе и США фотографу. Он привнёс в прямой стиль фотографирования типичных объектов культуры традиции северной европейской ландшафтной живописи. На своих фотографиях огромных размеров (до трёх метров по одной из сторон) Гурски показывает очертания городов, интерьеры промышленных сооружений и обширных объектов культуры. На фотографии, демонстрируемой в Мет, он через окно амстердамского аэропорта запечатлел при низком горизонте чёткую геометрию взлётно-посадочной полосы, уходящей вдаль, заполнив значительную часть снимка небом с облаками, несколько оживляющими строгость изображённой композиции. Казалось бы, такая простая фотография, без особых затей. А какое впечатление величественности производит!
Как здесь не вспомнить Георга Лихтенберга: «Следует стремиться увидеть в каждой вещи то, чего ещё никто не видел и над чем ещё никто не задумался».
Экспозиция в Мет дает возможность одним взглядом увидеть всё многообразие изобразительных стилей значительных современных фотографов. Рядом с уже отмеченными работами здесь соседствуют и искусные компьютерные фотографии Томаса Руффа и Ричарда Принса, и визуальная декларация художественного принципа Дугласа Хьюблера в виде 12 чёрно-белых фотографий веток куста, покрытых снегом, снятых в процессе его таяния с интервалом в 15 минут. Он писал: «Мир более или менее заполнен объектами, более или менее интересными. Я не хочу ничего больше добавлять. Я предпочитаю просто сообщать о существовании вещей с точки зрения времени и места».
Внимательный зритель найдёт на выставке и ещё много-много интересного. Мы наблюдаем неуклонное стирание грани между реальностью и вымыслом. Например, перевёрнутое изображение дерева у Родни Грэхема, или комната в отеле, заполненная отражениями, Шарен Локхарт. Этот разносторонний экспериментализм, объединивший глубокое понимание особенностей фотографической среды и открывшиеся новые изобразительные возможности, расширяющие творческую фантазию художника, ныне представлен на выставке в Метрополитен-музее.
Первая выставка в новой галерее - «Глубина видения: Современная фотография из коллекции Метрополитен» - представляет несколько художественных направлений в искусстве светописи последних десятилетий.
Концептуализм нашёл отражение в работах американцев Денниса Оппенхейма, Феликса Гонзалес-Торроса, Гордона Матта-Кларкса, Дугласа Хьюблера, голландки Ринеке Джикстры.
С «Дюссельдорфской школой» мы знакомимся по фотографиям её основателей Бернда и Хиллы Бехер и их учеников, ставших ныне всемирно известными: Томаса Струта, Томаса Руффа, Андриса Гурски.
О творческой концепции “Поколения визуальной образности” дают представление работы таких замечательных фотохудожников, как Синди Шерман и Ричард Принс.
И как-то над всеми искусствоведческими критериями находятся фотографии Адама Фусса, Родни Грэхема и Чарлза Рэя.
На выставке мы видим фотографии 19 мастеров – тех, кто сегодня определяет пути развития современной светописи. Каждый фотограф представлен одной работой, отражающей какой-то значительный этап как его творчества, так и фотографии в целом.
В начале 1980-х годов Синди Шерман (1954) сразу же заявила о себе как об одном из наиболее значительных художников своего времени. Поначалу в своих поисках она изображала саму себя, выступая в том или ином образе. Потом перешла к постановкам откровенно сюрреалистическим с последующим их фотографированием. Шерман воспринимает себя больше художником, использующий фотографию, чем фотографом. На выставке показан один из её автопортретов, сделанный в 1981 году. Шерман сфотографировала себя лежащей. Освещение подчёркивает драматичность, напряжённость состояния. Её взгляд обращён в никуда. Это может быть страхом, тоской, безысходностью. Позой, выражением лица, освещением Синди Шерман попыталась передать на фотографии одно из психологических состояний человека.
Если Шерман лишь наметила общие черты концептуального портрета, то Ринеке Джикстра (1959) придала ему несколько другую направленность. Её большеформатное цветные портреты детей и юношей (в одиночку и небольшими группами) отличаются удивительным формальным классицизмом, психологической глубиной и концептуальной строгостью. Во многих отношениях беспристрастный взгляд Джикстры, её социальная осведомлённость и почти клиническое внимание к деталям могут быть восприняты как документалистика.
Один из первых проектов Джикстры, начатый в конце 1980-х - начале 90-х годов, был посвящён портретированию подростков в полный рост на различных побережьях Польши, Хорватии, Украины, Бельгии, Англии и Северной Америки. Показывая состояние взросления, Джикстра фотографирует их на светлом фоне из песка, моря и неба, наполняя изображения первородным, почти мифическим качеством, возвышающимся над национальной идентичностью. Перед нами на берегу Балтийского моря (Колобжег, Польша) стоит девочка с выражением смущения, неуверенности и нарочитого безразличия. Она могла бы позировать не только перед камерой Джикстры, но и Боттичелли для «Рождения Венеры». Девушка Джикстры возникла словно из морской бездны и стала частью божественной природы, ещё робкой уязвимой её частью.
Заметное место на выставке отведено «Дюссельдорфской школе», возглавляемой Бернардом и Хиллой Бехер и их последователями. Примерно одновременно американец Двэн Мичалс и супруги Бехер начали создавать многокадровые фотографические композиции, включающие от 6 до 15 отпечатков, а иногда и больше. Они выполнены одном масштабе и показаны в одной сцепке. Возможно, идея такой кинематографической последовательности изображений идёт от фотографов, появившихся во множестве в 1926 году на улицах Нью-Йорка. Здесь за квотер можно было мгновенно сделать вертикальную полоску из четырёх фотографий паспортного размера. По крайней мере, именно эти, следующие один за другим кадры, привели Энди Уорхолла к созданию своих фотографических и живописных многокадровых композиций в конце 60-х годов.
На выставке Бернард (1931-2007) и Хилла (1934) Бехер представлены своей композицией из 16 изображений – «Водонапорные башни». Более трёх десятилетий, развивая свой типологический подход к среде, в которой отдельный архитипический объект описывается путем сопоставления подобных экземпляров, они фотографировали промышленную архитектуру Европы и Северной Америки - от водонапорных башен и доменных печей до домов рабочих.
Когда художники и профессора Бернард и Хилла Бехер преподавали в Академии искусств в Дюссельдорфе, они оказали влияние на целое поколение как немецких, так и многих американских фотографов. К их числу относится и Томас Струт (1954), чья большая персональная выставка проводилась в 2003 году в Метрополитен-музее. Ныне он представлен большой фотографией величественного интерьера собора Святого Захария в Венеции. В центре фотографии – светящийся алтарь работы Джованни Беллини, господствующий над окружающим его живописным пространством. Мадонна с младенцем в алтаре, люди, задумчиво стоящие перед ним, – всё пребывает на фотографии в одном чувственном, спокойном мире.
На что бы ни обращал свой взор Струт (а это может быть пустынная улица или храм, портрет человека или пышная растительность джунглей) мы ощущаем их величие, монументальность, их молчаливую историю.
Эти черты творчества близки ещё одному дюссельдорфцу – Андрису Гурски, не менее известному в Европе и США фотографу. Он привнёс в прямой стиль фотографирования типичных объектов культуры традиции северной европейской ландшафтной живописи. На своих фотографиях огромных размеров (до трёх метров по одной из сторон) Гурски показывает очертания городов, интерьеры промышленных сооружений и обширных объектов культуры. На фотографии, демонстрируемой в Мет, он через окно амстердамского аэропорта запечатлел при низком горизонте чёткую геометрию взлётно-посадочной полосы, уходящей вдаль, заполнив значительную часть снимка небом с облаками, несколько оживляющими строгость изображённой композиции. Казалось бы, такая простая фотография, без особых затей. А какое впечатление величественности производит!
Как здесь не вспомнить Георга Лихтенберга: «Следует стремиться увидеть в каждой вещи то, чего ещё никто не видел и над чем ещё никто не задумался».
Экспозиция в Мет дает возможность одним взглядом увидеть всё многообразие изобразительных стилей значительных современных фотографов. Рядом с уже отмеченными работами здесь соседствуют и искусные компьютерные фотографии Томаса Руффа и Ричарда Принса, и визуальная декларация художественного принципа Дугласа Хьюблера в виде 12 чёрно-белых фотографий веток куста, покрытых снегом, снятых в процессе его таяния с интервалом в 15 минут. Он писал: «Мир более или менее заполнен объектами, более или менее интересными. Я не хочу ничего больше добавлять. Я предпочитаю просто сообщать о существовании вещей с точки зрения времени и места».
Внимательный зритель найдёт на выставке и ещё много-много интересного. Мы наблюдаем неуклонное стирание грани между реальностью и вымыслом. Например, перевёрнутое изображение дерева у Родни Грэхема, или комната в отеле, заполненная отражениями, Шарен Локхарт. Этот разносторонний экспериментализм, объединивший глубокое понимание особенностей фотографической среды и открывшиеся новые изобразительные возможности, расширяющие творческую фантазию художника, ныне представлен на выставке в Метрополитен-музее.
